這部影片中的配樂的問題，透過圖書和論文來找解法和答案更準確安心。 我們找到下列線上看、影評和彩蛋懶人包

第一次拍電影就上手：從前製、編劇、拍攝、剪輯到發行，專家手把手帶你從0開始的60堂課

為了解決這部影片中的配樂的問題，作者衣笠竜屯,片岡Reiko,佃光,小橋昭彥 這樣論述：

●日本超好評的拍片教科書● 拍電影不難，只怕沒人教！ 這本有你敲碗跪求的所有環節 導演│編劇│製片│攝影│音效│配樂│選角│表演｜剪輯｜後製 企劃編劇│組織團隊│器材選擇│拍攝剪輯│行銷宣傳│上映發行   整個劇組必讀的拍片聖經！ ▌拍電影，不求人 ▌ 微電影、Vlog、Youtube影片、紀錄片、劇情片，全教會你 60個擺脫菜鳥、晉升專業，一定要懂的事！ 更有千金難買早知道的電影人經驗談   　　「我正在努力拍電影，可是處處碰壁……」 　　「教科書都太專業了，找不到簡單易懂的入門教學書。」 　　「從企劃、編劇、拍攝、剪輯到發行……沒辦法全部自己獨立完成吧？！」 　　「校慶、社團、政府的徵

片比賽……不想放過這些機會……」   　　▌新手不必怕，從0開始，給所有人的教科書 　　這世界早就以視覺影像為主流，但市面上的拍片教科書，多半只介紹攝影或剪輯等專業技術。缺乏從零開始，講述所有流程，鉅細靡遺給所有人的教科書。這一本手把手，從前製/拍攝/後製/發行，帶你從頭到尾認識完成一部電影該知道的大小事！   　　① 前製這樣想，開拍GO！ 　　‧Tagline超重要，想對了，一句話就能引發好奇心，獲得金主贊助 　　‧先從結局開始寫，更能創作出精彩故事 　　‧編劇鐵則：只寫鏡頭會拍到的部分就好 　　‧開拍前一定要先算出拍這部片要花多少金錢和時間 　　‧挑器材時，不必一網打盡，要根據目的來選擇

拍攝手段 　　‧剪輯用電腦，選擇可替換零件的桌機，優於型號易被淘汰的筆電   　　②拍攝這樣做，才會順！ 　　‧服裝、行李和報到，要預設為戶外行程 　　‧先決定好演員位置和動作，再考慮構圖，不然會很花時間 　　‧導演喊卡之前，不管出錯或有突發狀況，都不能停止表演 　　‧構圖技巧：重心一變，劇情片變恐怖片 　　‧攝影機位置鐵則？如何跨越180度線 　　‧在拍攝現場幫忙，避免「不懂裝懂」，才能讓劇組認同你也是專業的   　　③後製這樣調，才精彩！ 　　‧省略劇情的剪輯法，故事更簡明易懂 　　‧膠捲時代在拍攝時就得調好光；數位化之後，盡量多拍點，其他留到後製再處理 　　‧視覺特效要搭配目的性，特殊轉

場和特效很有趣，但千萬別忘了原先的目的 　　‧「無聲」也是一種音效 　　‧錄音室補錄對白，演技力也要點到滿 　　‧想不出片名時，盡量列出天馬行空的奇想 　 　　④發行這樣做，會成功！ 　　‧推銷自己的作品時，對目標客群和行銷內容有具體方向，一切會比較好談 　　‧海報用紅色，比黃色更能招攬觀眾 　　‧先了解媒體特性，做出雙贏效果的宣傳 　　‧映後座談好緊張，卻正是與觀眾相遇的最佳瞬間   　　▌認識拍電影的殘酷現實，發揮日本人的不厭其煩，終於等到這一本 　　作者從過往培育過許多影壇新手導演，以他豐富的經驗出發，告訴你技術之外，更需要知道的現實。   　　‧拍一部電影要花多少錢？「電影分析表」和「

劇情表」有何不同、有多好用？ 　　‧怎麼買器材？如何拉通告表，才能減少各組人員的等待時間？ 　　‧開鏡前的失眠夜晚，就靠反覆check確認表當安眠藥？ 　　‧如何在片場做出仿真太陽光、月光、汽車大燈？ 　　‧錄幾軌才能確保台詞準確收音？ 　　‧數位化時代，就靠後製調光，定調影像風格？ 　　‧上字幕時要距離外框10%留白，字才不會被卡掉？ 　　‧素人如何將電影送進影展與競賽？……發揮日本人不厭其煩、鉅細靡遺的特質，耐心解說所有過程的實務訣竅，讓人直呼，終於等到這一本。   　　▌告訴你千金難買早知道的電影人經驗談 　　‧如果電影是商品，那電影在賣什麼？觀眾要買什麼？若只是為拍而拍，舉辦邀請親朋好

友觀賞的放映會就好了；若要作為提供一般觀眾買票進戲院的娛樂，就必須認真考慮拍片的供需目的。不管是獨立製片或商業電影，先設想觀眾所需再去開發企劃案是很重要的。──辻岡正人 導演‧演員 / 代表作《JUDGEMENT》   　　‧大家應該都有『看了這部片，自己也想拍電影』的口袋片單吧？或是「最喜歡的電影」也行，請把那部片當作目標，用自己的方式重現對那部片有共鳴的部分。實際嘗試後，你會發現那『目標作品』和『自己嘗試重現』之間的距離，當中缺乏的就是「技術」。請好好思考如何填補差距，思索和挑戰的過程中，你會漸漸找到各種需要的『技術』。──田中健詞 導演 / 代表作《PUNCHMEN》（パンチメン）  

　　‧我本身沒有就讀過影像相關的學校或科系。在高中電影社開始接觸8mm電影，出社會後經常加班、出差，要兼顧拍片很不容易，但為了將來能把拍片當本業，我定下四個守則：   　　(1)每年至少拍一部作品（即使不是科班出身，持續拍攝也會變厲害吧？） 　　(2)使用現有的資源（因為沒時間，想到題材就立刻寫成劇本，速速拍出來） 　　(3)找出循環的模式（拍攝、上映、分析檢討、經驗運用在下次拍片。向工作人員和演員分享後續的回饋，願意幫助的人也會越來越多） 　　(4)自我推銷（主動找在影展認識的製片聊天，分享自己想拍怎樣的電影，擅長哪種類型，拓展今後合作的可能性）──安田真奈 導演‧編劇 / 代表作《幸福的開

關》（幸福﹝しあわせ﹞のスイッチ）   　　‧近年攝影機的性能越來越強大，這是一個陷阱。一旦安於「再暗也能拍得清楚」的器材，便容易忽略燈光的設計，拍出說好聽是「寫實」，實際上只是沒打光、暗成一團的影像。不打光使用一千萬圓的專業攝影機，好好打光使用十萬圓的單眼數位相機，不用比也知道後者的影像會大勝。   　　‧低成本獨立製片若想比照商業電影的水準，導演必須對各個要素具有一定程度的知識和見識，然而現場的工作人員不用找專業級的，這是低成本獨立製片的第一步。節省下的人事費，轉用到演員酬勞、服裝和外景場地費用，任誰都看得出影像質感因此而大幅提升。──安田淳一 導演 / 代表作《吃飯》（ごはん）   　　

‧本戲院算是上映較多獨立製片的電影院之一，排片時，一定會看作品本身的水準，另外製作方的「宣傳」和「集客」策略也是參考的重點。傳單和海報等文宣、社群網站等網路上的資訊擴散是基本動作。電影院永遠都需要吸引大眾興趣、讓觀眾願意進戲院的奇招策略。另外，在有限的宣傳費之下，導演、劇組和演員較能自由配合宣傳活動也是獨立製片的魅力之一。──菅野健太 Theater seven（シアターセブン）劇院經理   　　‧你的作品只要夠好，一定會有機會和外國人交流或合作，所以我奉勸大家從現在開始學習外文，年輕時沒學好外文的大叔我在語言上吃了很大的苦頭；在剛起步時，最好先從拍攝日期和預算都比較充裕的短片拍起。──星野零

式 製片‧演員   　　‧拍了第一部作品後，我開始學習關於器材的知識，也漸漸認識了當演員的朋友。就算不懂電影也沒有人脈，總之先拍一部作品後，誰都能自稱創作者，接下來要認識其他同好就順利得多。別害怕、別想太多，跑去河邊拍也行，總之催生出你的創作，並積極拿給別人看吧！──佃光 導演 / 代表作《水野的歸還》（ミズノの帰還）   　　‧拍電影的時候，「主題」並非一開始就需要的東西，有時會在製作的過程中找到，有時會在完成之後才撥雲見日。我認為比起主題更重要的是「意象」。意象不一定是視覺的影像，它也許是電影整體的氣氛，或是劇情的世界觀；也可能是具體的場面，或是某一個影像，或顯示主角的性格和行動的意象也行

。導戲時可進階思考角色為何總是笑著？他露出的是哪種笑容？他的笑容適合搭配哪種色調？…等細節。因此「意象」是製作電影的基礎要素。──手塚真 導演 / 代表作《白痴》   　　‧我本來並沒有立志成為「拍電影」的人，但「愛電影」的心情是一股強大的動力，推動我走到今日。即使沒有才華、基礎或知識，我認為只要有「愛」就能拍出好作品。所以如果你喜歡電影，「想拍拍看電影」的話，請自己試著拍拍看，努力持續拍下去，總有一天夥伴和成績一定會找上你！──鬼村悠希 導演 / 代表作《勞動之於輪迴》（労働オブザ輪廻）   專業人士一致推薦──   　　小野│臺北市影視音實驗教育機構校長、作家 　　李亞梅│台北電影節總監

　　吳洛纓│金鐘編劇 　　林木材│台灣國際紀錄片影展策展人 　　東默農│知名編劇講師 　　陳奕凱│樂咖 　　張道平│世新大學廣播電視電影學系助理教授 　　饒紫娟│台北電影委員會總監   專業好評推薦   　　用最容易了解的方式教導學生如何上手，成為一個全方位的電影新手。 　　──小野│臺北市影視音實驗教育機構校長   　　如果你有一個電影夢，先讀完，就離夢想成真更近一步了。 　　──吳洛纓│金鐘編劇   　　總覺得拍片是很遙遠夢幻的事？其實你少的，只是一本提供指南的說明書。 　　──東默農│知名編劇講師   　　高度濃縮的一本影片製作課指南。 　　──張道平│世新大學廣播電視電影學系助理教授

這部影片中的配樂進入發燒排行的影片

《L(C)(O)K of ROCK》以視覺詮釋搖滾樂風之動態圖像創作研究

為了解決這部影片中的配樂的問題，作者楊斯閔 這樣論述：

搖滾樂(rock)是一種世界性的流行音樂文化，為現今許多人生活中不可或缺的聲 音之一。在臺灣搖滾樂浪潮浮現後，隨著環境、時間演變，產生越來越多重新詮釋西方 搖滾樂風的音樂創作，並引發流行。本創作研究主要目的便是依循音樂視覺化的途徑， 注入 6 種樂風所引起的情感波動，藉由動態視覺勾勒出這些搖滾樂風的形狀與樣貌，藉 此傳遞其中的差異性與趣味性。關於音樂視覺化途徑，透過文獻資料顯示要將音樂在認知上的感受以視覺要素傳達， 需先獲取具相似結構的感知、共感覺、聯想等訊息處理結果的視覺要素符號，再以這些 符號進行創作。而透過文獻與案例分析，本創作研究收集各方學者研究結果與相關動態 作品，彙整了能引起各種

聲響、音樂特色共鳴的視覺要素與動作特徵表現形式，作為後 續創作輔助資料。最後，以聆聽多首 6 種樂風的樂曲與參考上述輔助資料，進行樂風特 色共感覺與聯想活動，並在取得視覺象徵符號後完成創作。整合研究結果與創作後感受， 發現基礎形態中點多用以象徵節奏;線多用來代表旋律的行進或是偶發性的音效;面則 依不同輪廓可以代表不同特色的音色，或用以表現音高。而上述這些要素的面積大小、 單一軸線長短、位置高低變化通常與音強、音長、音高成正相關。進一步將上述呈現聲 音之造形加入空間性、時間性的畫面構成與動作特徵，更能完整的呈現不同樂風旋律、 節奏、和聲的特色;而音樂氛圍則普遍仰賴色彩調和來營造。此次創作研究以《

L(C)(O)K of ROCK》作為主題，意指搖滾樂的視覺化造型，而將 LOOK 改為 L(C)(O)K 代表了此次創作作品分為兩個系列，系列一:(C)onstruction 是以 單純的幾何、抽象造形要素進行構成設計;系列二:(O)bject 則是以系列一的造形要素 為基底且較為具象的海報設計。共計完成 12 件動態圖像，提供了兩種面向的視覺連結 讓觀者感受不同搖滾樂風的特色。相信這樣的視覺化手法後續若應用於相關音樂創作的 視覺設計上，能達到同時展現樂風音樂性與傳遞具體創作理念的效果。

讓全世界認識宮崎駿：一個外國人在吉卜力工作室的回憶

為了解決這部影片中的配樂的問題，作者SteveAlpert 這樣論述：

　　宮崎駿最重要的工作伙伴鈴木敏夫，為了要將吉卜力動畫推向全世界，因此招募工作室第一位外國人進來公司協助國際推廣業務，這就是本書作者史提夫‧艾伯特─他也是吉卜力工作室創立以來唯一一位外國人。   　　本書是作者在吉卜力工作室15年的回憶錄。包含一個外國人獨自在傳統日本企業中適應日本公司文化的過程；宮崎駿在日本作畫、到國外宣傳電影的工作日常側寫；還有將日本動畫電影推行到全球的心路歷程。    　　作者用幽默、風趣的文筆，寫下這15年的經歷。帶領讀者看見隱晦難懂的日式文化；宮崎駿不為人知的那一面；日美商業電影及文化的差異；並揭露在海外發行電影的艱苦與竅門。

  　　本書作者Steve Alpert曾就讀哈佛商學院，也學習過日本文學，先後任職於迪士尼與吉卜力。由於「對日本文化有所理解」，也「熟悉歐美動畫電影市場」兩項要件，被吉卜力的王牌製作人鈴木敏夫相中，進入德間書店集團負責海外行銷業務。促成吉卜力與迪士尼的合作，打開海外市場的大門；參與《魔法公主》的英文版的劇本翻譯及配音監督；讓吉卜力動畫電影進軍各大國際影展；開發各國海外發行等。是吉卜力電影紅遍全球的關鍵人物。   　　閱讀這本書，除可以更進一步瞭解宮崎駿工作之道，還可以知道將電影外銷的秘辛，讓我們看到螢幕之外，宮崎駿作品的日常生活。   本書特色   　　日

本動畫電影熱銷全球之路是如何起步的？ 　　名導宮崎駿的各種逸事是不是他成為天才的要素？ 　　神隱少女如何成為金熊獎第一座頒給的動畫片？ 　　從外國人的眼光，許多日本人（亞洲人）沒留意的細節通通現形。

林書宇電影研究─以《九降風》、《星空》、《百日告別》為主

為了解決這部影片中的配樂的問題，作者柯凱訢 這樣論述：

臺灣自日治時期開始即有播映電影的記載。從六○年代健康寫實主義電影開始，在內涵上歷經了不同時期的改變，尤其在八○年代期間的臺灣新電影時期，不僅產生了許多知名的導演，更製作出許多膾炙人口的電影，迄今仍蔚為經典作品。但是在九○年代新新電影時期以後，臺灣電影的產量及票房都遠低於中國、香港。直到2008年《海角七號》等一系列國片刷新了臺灣影史的票房紀錄，更造就了所謂「後新電影時代」的來臨。後新電影因為具有親切易懂的敘事模式、市場（觀眾喜好）取向的意識、在地化書寫等特色，皆有別於以往，其中擅長拍攝成長電影主題的林書宇導演，無論在敘事、風格等影像呈現上，自有其獨樹一幟的特色。本論想藉由林書宇的三部劇情長片

：《九降風》（2008）、《星空》（2011）、《百日告別》（2015）分析其敘事、主題選擇、鏡頭語言、美學風格等面向，藉以探討其作者性，並歸納出林書宇的電影特色。